Hola a todos

Este blog va a seguir el desarrollo del trabajo que realicemos en clase por lo que servirá de material de apoyo, lugar de exposición de dudas colectivas, propuestas, etc. También habrá lugar para vuestras ideas que enriquecerán esta experiencia. Este blog no es un trabajo adicional sino parte de vuestro trabajo que realizaremos conjuntamente a lo largo del año. Y entre todos, conseguiremos hacer algo original y totalmente nuestro.

El primer post siempre es difícil pero una vez lo hayáis hecho, veréis lo fácil que es comunicarse con vuestros compañeros, con profesores y… con el resto del mundo.



jueves, 28 de mayo de 2015

TEORIA LENGUAJE DE LA IMAGEN EN MOVIMIENTO.



EL LENGUAJE DE LA IMAGEN EN MOVIMIENTO

El cine es arte, lenguaje y medio de comunicación. El cine habla por medio de imágenes, de los encuadres, de la palabra hablada, de los efectos especiales, del montaje, del color y de los sonidos.
El lenguaje del cine se basa en la fotografía, en la música, en la literatura, en el cómic y en todos los fenómenos artísticos. De la misma forma, el cine influye en las demás artes, aportando sus formas de expresión.
El cine se expresa de múltiples y variadas maneras, constituyendo así el lenguaje cinematográfico.
El lenguaje del cine parte fundamentalmente de cuatro elementos básicos: la selección de partes de realidad, los movimientos, el montaje y el sonido.


1.-ENCUADRE     La selección de la realidad que se quiere filmar

Una película se compone de fotogramas (cada fotografía encuadrada). Cada segundo, pasan 24 fotogramas por la pantalla, lo que quiere decir es que la velocidad de una película normal es de 24 imágenes (fotogramas) por segundo. Sin embargo, la unidad básica del lenguaje cinematográfico es el plano, que se compone de muchos fotogramas (selecciones de realidad).
Detrás del objetivo, a través de un visor, está el ojo humano que opera siempre selectivamente. Según la distancia y la inclinación de la cámara respecto del tema filmado, obtendremos de una misma imagen real una muy variada gama de resultados. La acción de seleccionar la parte de imagen que importa a la expresión buscada recibe el nombre de encuadrar. Al encuadre se le llama comúnmente plano
El elemento básico, el más pequeño, para la toma de imágenes nace de la fotografía y se denomina fotograma. El fotograma selecciona solamente la parte de la realidad que puede abarcar el objetivo, que depende del ojo humano, de la intención de quién filma.  Se llama encuadre a la selección de la realidad que realiza el fotógrafo o el operador de cámara. Según la situación en que se coloque la cámara, distancia o ángulo de mira, la selección realizada, es decir, el encuadre, puede variar sustancialmente la visión de la realidad.
Es importante, en educación, hacer ver el valor del encuadre, pues al mismo tiempo que logra centrar la realidad para poderla fotografiar o filmar, la limita, la restringe, lo que hace posible, para bien o para mal, manipularla. La intencionalidad de quien filma o fotografía, se hace realidad, en primer lugar, en el encuadre.


*Elementos internos:

- Escala: Son los diferentes tipos de plano.

-El tiempo dedicado a cada tipo de plano. En general, los planos más amplios, al tener más elementos, deben durar más tiempo que los cortos.

-El cambio de escala: El paso de una escala mayor a una menor produce un aumento de interés o de tensión, y también al contrario (piensa en los comienzos de las películas o en los finales de secuencias de tensión)

-Angulación: Define el punto de vista desde el que se registra la escena.
Según el ángulo en el que se coloca la cámara en relación al objeto.
Plano en Picado:
Cuando la cámara está sobre el objeto, en un cierto ángulo. El objeto está visto desde arriba. Suele emplearse a veces para destacar aspectos psicológicos, de poder, etc.
Plano en contrapicado:
Al contrario que el anterior, la cámara se coloca bajo el objeto, destacando este por su altura.
Plano aéreo o «a vista de pájaro».
Cuando la cámara filma desde bastante altura: montaña, avión, helicóptero, etc.
Plano frontal:
Cuando la cámara está en el mismo plano que el objeto.
Plano cenital:
Cuando la cámara se encuentra en la vertical respecto del suelo y la imagen obtenida ofrece un campo de visión orientado de arriba a abajo.
La cámara se puede colocar de muchas formas, invertida (salen los objetos al revés), a ras del suelo (vista de oruga: pies de personas, ruedas de coches, etc.)



A los ángulos propios de la imagen fija, en la imagen en movimiento habrá que añadir el denominado plano subjetivo: aquel en el que la cámara se identifica con el punto de vista de uno de los personajes.

-Óptica: los diferentes objetivos: gran angular, angular normal, teleobjetivo y zoom sus efectos son la variación en la perspectiva y de la profundidad de campo así como la variación la velocidad aparente de los objetos en movimiento.


2.- TIPOS DE PLANO


Plano general (Long shot)
Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.
Plano panorámico general:
Es una filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán menos importancia que el paisaje. Por ejemplo, una cabaña en el bosque vista de lejos. Las personas se verán pequeñas.
Gran plano general:
Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).
Plano general corto:
Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo
Plano americano: Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.
Plano en profundidad: Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.
Plano medio (Medium shot)
Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.
Plano medio largo: encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.
Plano medio corto (Medium close shot): encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos.
Primer plano (Close up): encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).
Semiprimer plano (Semi close up shot): Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.
Gran primer plano: cuando la cabeza llena el encuadre.
Plano corto: encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.
Plano detalle: Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.

Plano sobre el hombro:
Cuando se toma a dos personas en diálogo, una de espaldas (desde el cogote), y otra de frente que abarca dos tercios de la pantalla.
Plano secuencia:
Es una forma de filmar, en el que en una toma única se hacen todos los cambios y movimientos de cámara necesarios. El director no rompe el plano y nos va mostrando poco a poco toda una serie de hechos. No suelen hacerse muy largos por la dificultad de rodaje que entrañan. No obstante, hay planos secuencia memorables por su calidad, longitud y anécdotas de rodaje, como el comienzo de Sed de mal (Touch of evil 1958), de Orson Welles, o el de Matin Scorsese en Uno de los nuestros. Aunque el más famoso es el caso del film La soga de Hitchcock que posee un único plano, aunque falso, pues para realizarlo debía hacer los cambios de rollo aprovechando puntos oscuros, como la espalda de un actor, una columna, etc. No obstante, toda la acción acontece en un mismo espacio temporal, el más largo que existe en el cine.
Plano subjetivo o punto de vista:
Cuando la cámara sustituye la mirada de un personaje.



El cine no toma sólo imágenes. Filma sobre todo, movimientos. La gran fuerza expresiva del film está precisamente en su multiplicidad dinámica, en los numerosos tipos de movimientos que son posibles en él:
Movimientos en la misma cámara
Capaces de reproducir con exactitud el movimiento de los sujetos filmados: el paso rítmico del film detrás del objetivo y del obturador. En los aparatos primitivos, el arrastre del film se hacía manualmente. Era muy complicado pero los operadores de cámara se convirtieron en verdaderos artesanos que lograban en cada momento el ritmo y la cadencia adecuada a la escena filmada. Podían exagerar en escenas cómicas o ralentizar en las dramáticas. Nacieron así dos tipos de movimiento: cámara lenta y cámara acelerada. El «cámara lenta» se logra acelerando la velocidad de filmación y ralentizando la de proyección. El «acelerado» se realiza a la inversa. Muchos de los efectos especiales de hoy día están realizados con estos criterios a los que se han aplicado las nuevas tecnologías. El efecto “celuloide rancio”, de la velocidad de las películas antiguas se debe a que se filmaron a una velocidad muy lenta y se proyectan con motor a una velocidad constante, más alta.
 Movimientos de la cámara sobre sí misma
Otro recurso del lenguaje cinematográfico es el movimiento de la cámara sobre sí misma. Cuando la cámara se mueve para perseguir objetos o figuras. La cámara gira sobre una plataforma esférica. Se logran así las panorámicas horizontales, verticales y diagonales. Se busca así a los actores, se siguen sus movimientos, con el fin de incrementar los espacios y las formas de ver la realidad. Gracias a estos movimientos se hizo posible el ‘plano secuencia’, visto más arriba.
Movimientos externos a la cámara
Cuando es la misma cámara la que se desplaza. El movimiento externo de la cámara se puede conseguir de muy diversos modos: mediante el travelling, con la grúa o montando la cámara en un helicóptero. Así como las panorámicas se mueven sobre el eje de la máquina, los travellings se hicieron colocando la cámara en un carrito que se desplazaba sobre unos rieles. Vino luego la transformación de la óptica variable, que permitió lo que se ha llamado travelling óptico (zoom). Hoy, la liviandad de las cámaras y la facilidad de su manejo permiten que el operador, a pie y cámara en mano, siga al sujeto, lográndose efectos de un verismo sorprendente. La grúa tiene la capacidad y versatilidad de realizar tomas verticales, desde la altura y a nivel del suelo, y vistas aéreas. El helicóptero, por su facilidad de movimiento en el aire sirve para recrear ambientes que de otra forma serían imposibles: filmar grandes multitudes, espacios inmensos, batallas, etc.


*Diferencia entre travelling  y zoom
Nunca debe confundirse un travelling con un zoom; sus resultados son bastante diferentes. La diferencia que hay entre el zoom y el travelling, es que el zoom distorsiona la perspectiva y comprime distancias, mientras que el travelling no.
  • Zoom.  El personaje se hace más grande dentro del cuadro, la relación espacial entre el sujeto y otras personas o entre el sujeto y los objetos no va a cambiar Parece más artificial, porque no hay cambio de perspectiva. 
  • Travelling. Cuando hay un movimiento de la cámara, la posición relativa de todos los elementos situados dentro del cuadro cambian constantemente. Esto crea más dinamismo, por lo que cuando queremos subrayar el movimiento utilizamos el travelling.



4.-EL TIEMPO

El tiempo en el arte es algo muy relativo que se utiliza en función de la comunicación. El teatro utiliza el tiempo a su gusto. Un cambio de escena, o de acto, supone un cambio de tiempo o de lugar, que puede expresar el paso de muchos años, o de pocos días, o de minutos...
La ópera también suele utilizar los tiempos, al igual que el cine, con cierta ralentización. Un actor puede cantar un aria completa mientras agoniza con el puñal en el pecho. Un disparo en el cine impacta en el pecho de un actor y, mientras este cae al suelo de forma ralentizada (que no les gusta a muchos cineastas), reproduce toda su vida y da lugar a una película completa. Lo que sucede en fracciones de segundo en la realidad, una película lo puede representar en un largometraje completo.
Los saltos en la cronología, las vueltas atrás en el tiempo, que tanto se han utilizado en literatura y que son normales en le cine reproducen cambios arbitrarios en la cronología que el lector, o el espectador, deben suplir para la comprensión de la trama.
Una película puede durar una hora y media o dos horas. Hitchcock en La soga (Rope, 1948), lo hizo a tiempo real, durando la película exactamente lo mismo que los acontecimientos que en ella se cuentan. No es lo normal, pues en una película se puede condensar en muy poco tiempo la vida de una persona, narrando acontecimientos que han tardado siglos en producirse.


Para dar sensación de que pasa el tiempo los cineastas se las ingenian con infinidad de recursos. Algunos de ellos dependen de la misma narración: el día va detrás de la noche, una habitación muy desordenada va tras una gran fiesta....
Otros son recursos de tipo técnico, como son los fundidos, las cortinillas o los letreros.
En todos los casos la acción, el decorado, los actores y su estado anímico, las arrugas en la cara o la ausencia de éstas, los objetos o las situaciones han cambiado dando la impresión de que el tiempo pasa.
La sensación de que pasa el tiempo en una película, la puede recibir el espectador de muchas formas. Burch las resume en cinco. La primera es la más primitiva de todas. Una acción sucede a la anterior. La segunda es la llamada «elipsis». Cuando la acción se abrevia economizando planos. Se ve el comienzo y el final de una acción y el espectador supone el resto de los pasos intermedios. La tercera se da cuando se suprime un espacio pequeño o grande del relato, se da el principio y el final, pero el espectador recibe ciertas claves para entender lo que ha sucedido, mediante frases u objetos. La cuarta es la que recurre a la reiteración de parte de la acción para conseguir la sensación de que el tiempo pasa. La última es recurrir a los «flashback» o «salto atrás», retroceso en el tiempo, o a los «flash-forward» o «salto adelante. Una película clásica es Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1940), de Orson Welles, en la que se invierte y maneja el tiempo por medio de saltos constantes. Ya la primera secuencia del reportaje sobre la muerte de Kane prepara al espectador para enfrentarse durante toda la película con la incógnita de su vida que se va desvelando en el espacio y en el tiempo.

Tiempo real. El que tarda en ocurrir un acontecimiento en la realidad. Una muerte en tiempo real vista en un noticiario de televisión se desarrolla en fracciones de segundo.
Tiempo fílmico. El que se produce por manipulación para acelerar o retardar los acontecimientos, reproducir paso a paso o cambiar el orden de los sucesos de cara a presentar al espectador una visión intencionada y distinta del acontecimiento. La muerte citada anteriormente, realizada a cámara lenta, puede hacer fijar en el espectador detalles que facilitan la comprensión del mensaje.
Tiempo de filmación. El tiempo que se tarda en filmar, «rodar», una escena.
Adecuación: cuando el tiempo real y el tiempo cinematográfico son los mismos.
Distensión: cuando el director alarga la escena más de lo que dura en tiempo real. Así le da un tono más metafórico o intenta que el espectador se fije más en los detalles.
Condensación: se suprime una parte del relato que el espectador debe suplir con su imaginación. Se llama también elipsis.
Hacia atrás y hacia el futuro en el tiempo: Con el «flash-back» (tiempo pasado), se relata lo que ya ha sucedido. Con el «flash-forward» (tiempo futuro), lo que está por venir.


5.-ESTRUCTURA NARRATIVA

Desde el momento en que se escriben el argumento y el guión literario hasta el montaje definitivo de los planos rodados hay una preocupación por dar a la película una estructura equilibrada y coherente, en la que los elementos narrativos y visuales de la historia se vayan desplegando, para conseguir entre todos un resultado donde nada sobre ni falte. Tradicionalmente se distinguen tres momentos en el desarrollo de la acción:
-          ARRANQUE: Es el punto de partida, normalmente formado por una sola secuencia. En el hay que presentar los personajes, los escenarios y los problemas y conflictos sobre los que gira la historia. A veces su contenido es tan importante que se vuelve decisivo para la comprensión del resto. Tiene el reto de interesar al espectador desde el principio. Por ello tiene dos características diferenciadoras:
-Carácter prácticamente visual, con muy pocos diálogos.
-Tensión emotiva.

-          NUDO O DESARROLLO:
Es la parte central, la más importante, la más larga y la que más exigencias plantea. Formada por varias secuencias, en ellas se desarrollan los problemas y conflictos presentados al arranque, desplegándolos en todas direcciones, con un aumento progresivo de la tensión
El nudo culmina en un momento de corta duración denominado clímax, en el que todas las líneas desarrolladas se encuentran y se concentran en una situación de fuerte tensión.

-          DESENLACE: Localizado a partir del clímax, es el momento en que la acción, en un descenso progresivo de la tensión, camina hacia el final. Es también el momento en el que aparecen los elementos más personales del relato ya que para entonces los personajes han desarrollado todas sus claves y el espectador tiene todos los elementos para comprenderlos.

El desenlace puede concluir con un final cerrado, en el que todos los problemas han quedado aclarados y resueltos, para bien o para mal.
Pero también puede darse un final abierto, en el que todo o una parte decisiva queda sin resolver, siendo el espectador el que saque las conclusiones.


6.- SONIDO

Desde un principio los cineastas se propusieron que el cine, tan precario en sus comienzos, se pareciera en lo posible al mundo real. Entre los primeros y principales objetivos de los pioneros, estuvo siempre el de conseguir el sonido y el color. En 1896, a menos de un año de la presentación del aparato mudo, Edison patentó ya su Kinetófono, que combinaba la mecánica fílmica con la fonográfica. Desde los primeros momentos la música era interpretada en directo ante la pantalla. Personas especializadas, entre ellas «el explicador», contaban lo que sucedía y mediante artilugios hacían los ruidos, viento, tempestades, trinos de pájaros y otros, que eran utilizados para una mejor comprensión del lenguaje de las imágenes mudas. El sonido aumenta la impresión de realidad. Dota al filme de continuidad sonora. Es un mecanismo para conseguir unidad. 

Clasificación de los sonidos


1. El ruido
Ruidos naturales.
Ruidos humanos.-
Ruidos mecánicos.
Palabras-ruido.
2. La música.
3. La palabra y los diálogos.
El sonido siempre existió en el cine. Lo que sucede es que en la primera etapa del cine los espectadores no podían oírlo físicamente. Tenían que leerlo, decodificarlo, interpretarlo a partir de los mecanismos que los cineastas utilizaban...
• Intertítulos.
• Primeros planos de objetos que sugieren un determinado sonido.
• Gesticulación de los actores.
• Lectura de labios...

Funciones de la música en el cine


1. Función rítmica
La música se emplea como contrapunto de la imagen.
La duración de la imagen y de la frase musical son exactas.
a) Reemplazar un ruido real.
b) Resaltar un movimiento de un elemento de la
acción.
2. Función dramática
La música se emplea como un elemento que puede ser útil para que el espectadorcomprenda el significado de la acción

 7.- LA LUZ

La luz es un elemento imprescindible para el lenguaje cinematográfico. Sin luz no hay cine. La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera de una película. En claroscuro está filmada, por ejemplo, El sur, de Victor Érice.
En el cine en blanco y negro lograron algunos cineastas como Eisenstein o Fritz Lang dominar el mundo de luces y sombras, dando a la sombra carácter protagonista, utilizando con maestría el contraluz, el humo de hogueras y cigarros. La niebla y otros efectos se realizaban con fines estéticos, para enfatizar la luz y las sombras y no solamente con el fin de crear atmósferas y ambientes.
La luz se convierte en protagonista en la película Lady Halcón (Lady Hawke, 1984) de R. Donner, llegando al máximo en la secuencia final, en el eclipse, cuando al cambiar la luz por las sombras Lady Halcón se convierte, de halcón, en persona. La utilización del color en cineastas de las últimas generaciones, como Spielberg, que filma en blanco y negro, o revira al blanco y negro tras filmar en color, mezclando algunos toques de color como el vestido rojo de una niña y las llamas de una vela en La lista de Schindler o determina el porcentaje de color al diez por ciento en Salvar al soldado Ryan, (Saving Private Ryan, 1998) para crear la atmósfera de horror hacia la guerra. Actualmente, en muchos casos, el cambio de color, o su saturación e intensidad, se realiza por métodos digitales. Los operadores y técnicos de fotografía saben dar a cada escena el tono, intensidad, o saturación adecuada a la secuencia que se está filmando.



8.-MONTAJE
El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal y cómo quiere el director. La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje, de una película.
En el montaje se hace casi toda la película. Se cambian secuencias, se suprime lo que no gusta, se añade o se acorta el ritmo.
Se empalman, según el orden del guión, los fragmentos («rush») que han constituido una filmación, ya que normalmente se filma en el orden que marcan las circunstancias de dirección y producción o las debidas a la disponibilidad de los actores y a causas climatológicas o de estación. Se seleccionan, entre los diferentes fragmentos de cada toma procedentes del laboratorio, los que se consideran mejores. El trabajo se efectúa en una mesa de montaje provista de una moviola


Montaje narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro o al pasado.
Montaje expresivo: Cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.
Montaje ideológico: Cuando quiere utilizar las emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.
Montaje creativo: Es la operación de ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.
Montaje poético: Cuando se realiza como una verdadera obra poética, causando reacciones en el espectador. Posee intención expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la atención del espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada con otra, estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que puede intensificar las emociones. En otros casos, en vez de presentar en orden riguroso una cronología de los hechos mostrados, el cineasta utiliza los flash-back, o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.



-          FOTOGRAMA: Es la unidad básica desde el punto de vista físico. Las imágenes en movimiento no se pueden descomponer en elementos menores.

-          TOMA: Es la unidad básica de filmación o grabación: el material que se registra desde que se pone en marcha la cámara hasta que se detiene.

-          PLANO. Es la unidad básica de un relato audiovisual, formada por el grupo de fotogramas de una toma que se aprovecha para el montaje. No se debe por tanto confundir plano con toma, aunque a veces coincidan en la práctica.

-          LA ESCENA
Se denomina escena al material grabado o filmado que transcurre en un mismo lugar o escenario, y en la que intervienen las mismas personas. El concepto de escena tiene un origen teatral, etimológicamente la escena era el lugar donde se situaban los actores para la representación.

En las producciones cinematográficas o videográficas, el concepto de escena se maneja para subdividir la narración total en unidades espaciales, más pequeñas, que permitan organizar el trabajo. Aunque la palabra "escena" tenga connotaciones espaciales, se incluye su estudio dentro de los elementos temporales porque no debe olvidarse que la acción transcurre en el tiempo, independientemente de su ubicación espacial.

Una escena puede estar resuelta con uno o varios planos. Cuando se resuelve en un solo plano estamos ante el anteriormente denominado plano secuencia, escena o conjunto de acciones con una unidad de lugar rodada en una sola toma, es decir sin cortar. El cambio de lugar o de personajes dentro de un mismo lugar implica un cambio de escena. La escena tiene una unidad de lugar, de tiempo y de acción.

-          LA SECUENCIA
La secuencia es un conjunto de planos que constituyen una unidad dramática o un episodio diferenciable dentro de la totalidad del relato. Hasta cierto punto una secuencia podría ser considerada como un pequeño, relato o episodio autónomo dentro del total.

La secuencia es un conjunto que agrupa una o varias escenas, es decir, puede desarrollarse en un mismo lugar o en varios diferentes. Incluso, puede estar resuelta en un único plano, el llamado plano secuencia anteriormente mencionado, en el que se da unidad de espacio, tiempo y acción. Sin embargo, lo característico de la secuencia es la unidad narrativa, la continuidad dramática, donde pueden variar los lugares donde se desarrolle, o hacerlo en tiempos diversos.





SÍNTESIS DE LAS FASES EN LA ELABORACIÓN DEL PRODUCTO AUDIOVISUAL

La elaboración de un producto audiovisual es una tarea colectiva que pasa por diferentes fases y en las que se integran diversos aportes profesionales y medios técnicos.

Las fases son las siguientes:

-GUIONIZACIÓN:
Partiendo de una idea original o basada en una obra preexistente (novela, cuento, obra de teatro, otra película anterior) se redacta una serie de documentos escritos para planificar la narración cinematográfica: Guión literario y el guión técnico.

-PRODUCCIÓN:
Aceptado el guión por unos estudios o sociedad productora (organismo que se encarga de financiar películas), se estudia a fondo el guión para desglosar las necesidades de todo tipo que de él se deriven (equipo técnico y materiales, personal técnico y actores, transportes y viajes, montaje y sonorización, etc.), evaluando el importe económico que supongan dichas necesidades antes de asumir su financiación.

- EQUIPO HUMANO
DIRECTOR: Es el último responsable de la realización de la película, debiendo velar por el estilo, la unidad narrativa y los aspectos estéticos. Tiene bajo su mando a todo el equipo técnico y es quien dirige la interpretación de los actores. Puede tener diversos ayudantes, entre ellos un director de actores, que le ayude en este cometido, haciéndoles ensayar la interpretación y movimientos. A veces, sobre todo en televisión, se suele denominar realizador.

SECRETARIO DE RODAJE O SCRIPT: Persona que debe velar por el ajuste de lo rodado al guión de trabajo. Debe controlar los raccords de todo tipo que puedan existir para garantizar la continuidad, llevar el control de los planos rodados y los que se den como válidos.

FOTO-FIJA: Se encarga de tomar fotos que valgan de referencia para mantener la continuidad entre las escenas, ayudando así al secretario de rodaje o script. Las fotografías serán empleadas, también, para la publicidad de la película y su documentación.

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA U OPERADOR: Se encarga de la creación del ambiente de la película a partir de la iluminación y las condiciones de trabajo de la cámara. En el cine europeo puede incluso llevarla él mismo. Debe velar, durante el proceso de revelado de la película en el laboratorio para que se mantengan las características visuales y cromáticas buscadas. Tiene bajo sus órdenes al equipo eléctrico.

CÁMARA, SEGUNDO OPERADOR, cameraman o camarógrafo: Persona que se encarga del manejo de la cámara bajo las órdenes del director de fotografía (cuando las funciones están divididas) y del director. Puede tener un equipo de ayudantes que se encarguen del montaje y puesta a punto de la cámara, de la carga y etiquetado de las bobinas de película, de medir las distancias de la cámara a la película e ir ajustando el enfoque (foquista), sobre todo cuando se realizan movimientos de cámara. Cuando se trabaja con más de una cámara los equipos han de multiplicarse y coordinarse. En los estudios de televisión hay un operador detrás de cada cámara, que recibe las órdenes del realizador, situado en una sala adyacente ante una mesa de mezclas de imagen (control de realización), a través de un sistema de intercomunicación.

ELÉCTRICOS: Son los que se encargan del control de los focos y de los aspectos técnicos relacionados con la iluminación. Suelen estar bajo las órdenes de un jefe de eléctricos que se ocupa del emplazamiento de los focos, siguiendo las instrucciones del director de fotografía.

MAQUINISTAS: Personas encargadas de montar y desplazar la maquinaria auxiliar (trípodes, dollys, travelling, grúas...) empleada durante el rodaje. El jefe de maquinistas es quien desplaza la maquinaria, según las órdenes recibidas, durante los movimientos de cámara.

TÉCNICOS DE EFECTOS ESPECIALES: Se encargan de preparar los materiales y dispositivos para la simulación de explosiones, incendios, disparos..., necesarios en el desarrollo del relato durante el rodaje o de los trucajes más elaborados que se realización en laboratorios específicos, bien por medios específicamente cinematográficos o con ayuda de ordenadores.

TÉCNICOS, MEZCLADORES Y OPERADORES DE SONIDO: Se encargan del registro de sonido durante el rodaje. Incluye desde el maquinista que conduce la jirafa, caña o pluma donde va colgado el micrófono, hasta el ingeniero de sonido, que efectúa el control del registro a través de una consola de mezclas. En la fase de postproducción otros técnicos se encargarán del doblaje sonoro, donde algunos diálogos pueden volver a grabarse, introduciéndose también efectos y música. Todos estos sonidos, recogidos en diferentes pistas sonoras, se mezclan convenientemente y se sincronizan con las imágenes, dejándolos listos para ser incorporados a la película.

DIRECTOR ARTÍSTICO: Es la persona encargada de ambientar la escena a través del diseño de los decorados, ayudándole en su trabajo el atrezzista, que se encarga de los objetos necesarios para la ambientación, y el regidor, que se encarga de conseguir los mismos en coordinación con el equipo de producción. Bajo sus órdenes están los carpinteros de rodaje, pintores...etc

PELUQUEROS, SASTRES, MAQUILLADORES: Se encargan de conseguir que el aspecto de los intérpretes se ajuste a lo especificado en el guión.

ACTRICES Y ACTORES: Son los intérpretes principales de la acción.

ESPECIALISTAS: Sustituyen a los actores en la realización de tomas donde se necesitan especiales habilidades físicas o se corre algún tipo de peligro.

FIGURANTES: Personal secundario que interviene como comparsa en la representación de la acción.

MONTADOR: Persona que se encarga de seleccionar, organizar y ensamblar los diferentes fragmentos que componen una película en colaboración con el director. En televisión se suele denominar editor.


- RODAJE:
Se registran las imágenes y sonidos a partir de los guiones de trabajo y según la puesta en escena.

-MONTAJE Y POSTPRODUCCIÓN:
Se revisa el material registrado y se toman decisiones sobre los fragmentos que se incluirán en el relato y su orden, reuniéndolo en un todo global, que incluya imágenes sonido, efectos, títulos, etc. Tras esta fase, la obra está lista en su apariencia final para su copiado y distribución.


lunes, 11 de mayo de 2015

Tarea 13:PELÍCULA AVATAR

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA AVATAR

FICHA TÉCNICA

-Director:
-País:
-Año:
-Fecha de estreno:
-Duración:
-Género:
-Reparto:
-Distribuidora:
-Productora:
-Presupuesto:
- Montaje:
-Producción:
- Música.


PRIMERA IMPRESIÓN

1.- Expón brevemente tu opinión sobre la película.
2.- Señala los aspectos de la misma que más te hayan gustado.
3.- ¿Cuál es la escena que más te ha gustado? ¿Por qué?
4.- ¿Qué valores defiende la película?


ANÁLISIS TÉCNICO EXPRESIVO DE LA PEÍCULA. ASPECTOS GENERALES.

1.-El punto de partida: la idea. Señala la idea central de la película.

2.- El argumento. Señala sus tres fases (arranque, nudo y desenlace) y los momentos de clímax.

3.- Tratamiento de la historia. Señala si tiene un tratamiento realista o idealizado, superficial o profundo, trágico, melodramático, de comedia, humorístico, etc…

4.-Los personajes. Señala los personajes fundamentales y trata de definirlos.

5.- Recursos técnicos y expresivos del lenguaje audiovisual:

- Los escenarios. ¿En qué escenarios sucede la película?
- El tratamiento de la luz. ¿Qué tipo de iluminación se emplea? ¿Qué tipo de atmósfera crea?
- Los encuadres. ¿Qué tipo de escalas y de ángulos se utilizan con más frecuencia? ¿Recuerdas algún plano especialmente llamativo?
- El Movimiento. ¿Te has fijado en algún movimiento de la cámara? ¿Qué efecto provocaba?
- El sonido.  ¿Recuerdas alguno diálogo en especial? ¿Qué utilización se hace de la música? ¿Qué efectos persigue?

OTROS ASPECTOS

1.- ¿Cuándo escribió James Cameron Avatar?
2.- ¿Por qué no pudo rodar en ese momento la película?
3.- ¿Gracias a que pudo rodar James Cameron Avatar tal y como la había imaginado? 
4.- ¿Qué innovaciones aporta Avatar a la tecnología del cine?

5.- ¿Cuánto se tardó en rodar la película?